Métamorphoses

«Je me propose de dire les métamorphoses des formes en des corps nouveaux » C’est par ces mots que s’ouvre le long poème d’Ovide, qui conte deux cent trente et une histoires de métamorphoses.
Vaste récit, où se bousculent, dans un agencement improbable, des légendes et les fragments réécrits des grandes voix du passé: Homère, Hésiode, les Tragiques grecs, Lucrèce et Virgile…
On y croise des dieux, des héros et des hommes qui, soumis à l’action de la passion, se transforment. Animaux, arbres, fleurs, pierres, rivières ou souffles : rien ne perdure et tout se transforme…
« Il n’y a rien de stable dans l’univers entier ; tout passe, toutes les formes ne sont faites que pour aller et venir. Ce que nous avons été, ce que nous sommes, nous ne le serrons plus demain. »
L’œuvre fut une source d’inspiration majeure durant la Renaissance et l’époque baroque, particulièrement dans la peinture et en musique.
Convoquer cette matière sur un plateau de théâtre aujourd’hui suppose de lui faire subir à son tour une métamorphose, une transformation qui lui confère une actualité, une raison d’être qui soit autre que purement muséale. Le projet propose une cohabitation dynamique entre les récits d’Ovide et une pensée contemporaine qui redéfinit la notion du vivant.
Sujet, dont s’emparent la philosophie, l’éthologie, l’écologie et les approches somatiques …
Au-delà des mots, il s’agit d’inventer une forme théâtrale hybride, qui convoque l’événement de la métamorphose et l’émotion qui l’accompagne. Invitation à voir… A voir un quelque chose muter, devenir un tout autre.
Le plateau de théâtre, tel un grand laboratoire, pour explorer l’impermanence, le flux du désir et du vivant…

Comme acteur, son goût le porte vers des aventures théâtrales singulières et des formes hybrides (Mossoux/Bonté, Ingrid von Wantoch Rekowski, Philippe Van Kessel, Alain Populaire…). A la fin des années 80, comme metteur en scène, il développe un travail sur le répertoire contemporain (Beckett, Delbo, Duras, Pasolini, Gabily, Depardon…). Plusieurs de ses créations sont présentées au Théâtre National.
À partir de 2000, son travail s’oriente vers la recherche de formes plus singulières et personnelles, où texte, musique, mouvement et univers visuel dialoguent, pour former des objets poétiques d’une nature lyrique.
Depuis 2009, il travaille en partenariat étroit avec le Rideau de Bruxelles. avec lequel il réalise : « R.W. premier dialogue », « R.W. deuxième dialogue », « Continent Kafka », « Tarzan » et récemment « De la beauté ».
Plusieurs de ses créations ont été saluées par des prix : « L’abitasion brize le ven de notre jardin » (Meilleur spectacle Jeune compagnie, saison 2000-2001), « Eloge de l’intime » (Meilleur spectacle  » Jeune compagnie « , saison 2002-2003), « R.W. premier dialogue » (Prix de la critique du meilleur spectacle de la saison 2009-2010), « Joyo ne chante plus » (Meilleur seul en scène 2014).
Ses dernières créations : « De l’inquiétude d’être au monde » au Théâtre de la vie en 2014, « De la beauté » au Rideau de Bruxelles en 2015, « Amour, neige de soleil » opéra de chambre de Daniel Schell au Poème 2 en 2016.
En préparation : « Métamorphoses » au Théâtre des Martyrs en janvier 2018, « Woolf » au Rideau de Bruxelles (saison 2018/2019).
Sensible au travail avec des populations fragiles, il participe depuis de nombreuses années aux projets participatifs mis en place par le CEC de Watermael, avec la participation de la Vénerie et du CPAS de Watermael Boistfort.
Pascal Crochet enseigne au Conservatoire de Mons/ARTS2 ainsi qu’au Conservatoire de Bruxelles. Il dirige également depuis plus de 15 ans un atelier de théâtre au centre de jour Club Antonin Artaud.

Matières
Loin de tout rapport de fidélité au texte d’Ovide, Pascal Crochet souhaite faire dialoguer l’œuvre avec des écritures contemporaines qui explorent le rapport au vivant. Paroles d’artistes, de philosophes, d’éthologues ou de scientifiques qui proposent une réflexion et une vision nouvelle des notions du vivant et des divers rapports que nous pouvons entretenir avec celui-ci.
Mais le travail ne repose pas que sur la seule matière textuelle…
Ecriture de plateau
Le temps de répétition n’est pas considéré comme un temps réservé à la seule appropriation et mise en espace d’un texte mais plutôt comme un temps d’hétérogénéité théâtrale,
où l’hégémonie du texte cède la place à d’autres syntaxes scéniques, de nouvelles logiques de récits passant aussi par les corps, le silence, les images, la musique, les lumières, les objets…
Concrètement nous travaillerons à partir de fragments de l’œuvre dont certains formeront la matière textuelle du spectacle final. D’autres fragments donneront lieu, dans le
processus de création, à des situations, des « thèmes » d’improvisations permettant aux acteurs d’explorer d’une manière non verbale des états, situations et rapports particuliers véhiculés par l’œuvre.
Ce travail repose sur une dynamique collective, où chaque intervenant s’inscrit au cœur du processus et façonne sa partition dans un perpétuel dialogue avec les autres intervenants. Partitions des acteurs, éléments de scénographie, lumières, images, son; tous les éléments s’écrivent et se structurent ensemble et dans un même mouvement.